El Hombre del Tiempo

Dave Spritz (Nicolas Cage) es el "hombre del tiempo" para una televisora local en Chicago, a punto de conseguir un lucrativo ascenso en televisión nacional, en Nueva York. Un trabajo simple, que paga bien: Dave es un éxito, pero detrás de la sonrisa de oreja a oreja que proyecta ante cámaras, está un tipo deprimido y a punto de reventar.

El Sol de Cada Mañana, de Gore Verbinski (Una estúpida traducción de The Weather Man) es un caso clarísimo de publicidad engañosa. Al ver el avance, donde Nicolas Cage mete la pata al olvidarse de una salsa tártara o es ametrallado por comida rápida, uno se espera una comedia para matarse de risa, pero el film es completamente distinto. Es el tipo de película que lo bajonea a uno por completo si es que no sabe de que se trata.

Dave Spritz es un personaje peculiar. Si bien en su vida laboral se encuentra en la cresta de la ola, todo un hombre de éxito (con un trabajo que muchos consideran inútil), su vida personal es un completo desastre: su matrimonio se fue a pique, su esposa tiene una relación nueva, su hijo está en rehabilitación por drogas, su hija tiene problemas de autoestima, su padre está muriendo de cáncer y la gente en la calle lo agrede apenas lo ve. Como resultado, Dave está deprimido, siente que su vida no va para ninguna parte y que todo lo que hace está condenado a fracasar. No es un mal tipo, sólo que es propenso al egoísmo, a abrir demasiado la boca y deprimirse solo.. El tipo de persona que dan ganas de cachetear para que se ponga las pilas, es aquel tipo que te llega a latear con su negatividad si pasas mucho rato con él. Al final, uno es amigo de Dave por pena más que otra cosa. El tipo de personaje patético que Nicolas Cage puede interpretar bien y en este caso, lo logra con creces.

No, este film no es una comedia. Aunque tiene instancias de humor negro (negrísimo), es más un drama bastante triste sobre un hombre que solito se ha puesto en un hoyo y no sabe como salir. Las cosas no le han resultado como quería y en vez de asumir y tratar de vivir la vida como harían muchos, sigue inmerso en su propia miseria, amargado con el resto del mundo. Al final, puede que exista una esperanza para Dave, pero no todo en la vida es fácil. Los momentos de humor logran aliviar lo que en otras manos sería un dramón para deprimir a cualquiera y de cierto momento, muestran a Dave como un tipo con errores, algunos fatales, pero no por eso un mal tipo, alguien que quiere hacer las cosas bien pero no tiene idea como.

Gore Verbinski se ha paseado por todo tipo de géneros: acción, aventura (Piratas del Caribe), comedia (Mouse Hunt) y terror (El Aro) y aunque hasta ahora no muestra algo parecido a un estilo personal, una película como The Weather Man da fe de que puede hacer mucho más que descerebrados filmes de efectos especiales. Buen drama, que tiene mucho más que ofrecer de lo que mostraban los avances de comedia tonta. Recomendable.

Claro que no es para todos los gustos, porque alguien como Dave Spritz puede ser bastante odioso - algunos preferirán sólo apagar el televisor.

"Bolivia"... y lo último de NCA

He visto tantas películas argentinas en las últimas dos semanas, que para ahorrar espacio le dediqué a algunas unas pequeñas reseñas. Sin embargo, creo que una película como Bolivia, de Adrián Caetano, se merece un artículo propio. Está primera en mi ranking de las diez mejores, y con buena razón.

Con bajo presupuesto, filmada en blanco y negro y en su mayoría en una misma locación, Bolivia cuenta la historia de Freddy, un inmigrante boliviano que trabaja en una cafetería en Buenos Aires, con la firme intención de ganar suficiente dinero para traer a su esposa y a sus tres hijas a Argentina y establecerse. La presencia de Freddy, sin embargo, no es bien vista por los habituales parroquianos del lugar, que, enfrentados al desempleo y la desesperanza causados por la crisis económica, no ven con buenos ojos el que un extranjero venga a tomar los pocos trabajos que quedan.

Esta película ha sido comparada con Haz lo Correcto, de Spike Lee y en efecto, es como una mini-versión de aquel recordado drama, haciendo un válido y crudo comentario sobre el racismo. La tensión por la presencia de Freddy en la cafetería - representada por el Oso, uno de los tantos desdichados golpeados por la crisis, desempleado, sin dinero, lleno de deudas y con un juicio a cuestas que amenaza con quitarle hasta la camisa - va en constante aumento hasta desembocar, al igual que la destrucción masiva en la pizzería de Sal, en un chocante y brutal suceso (que, dadas las circunstancias, igual se ve venir, pero no por eso es menos efectivo), pero en menor escala.

Tampoco aquí se puede señalar con el dedo a algún culpable de la tragedia. Los parroquianos del lugar actúan motivados por la desesperanza y la frustración: no son conscientes de sus actos. Y Freddy tampoco es ningún santo. A pesar de tener buenas intenciones, no tiene reparos en engañar a su esposa con una compañera de trabajo, una paraguaya en su misma situación. Y cuando decide contratacar en un arranque de furia, se da cuenta que las puertas se le cierran y no le quedan muchos aliados. Su propio jefe sólo lo soporta por ser mano de obra barata.

Con pocos recursos y en poco tiempo, Caetano logra captar un problema vigente no sólo en Latinoamerica, sino en todo el mundo, el de el racismo y como la xenofobia puede llevar a las personas a atacarse entre ellos y todo el mal que pueden causar. En este caso se trata de una humilde cafetería bonaerense pero no es dificíl pensar que algo así puede ocurrir en todos lados, una intolerancia entre pueblos exarcebada por la realidad que es bastante injusta. Por su impecable factura técnica, por su naturalidad y por las reflexiones a las que invita en torno al tema, Bolivia es de visión obligada.

* * *

Y bueno, con la obra de Caetano ha finalizado mi viaje a través del Nuevo Cine Argentino, del que no sabía casi nada y que me ha dejado una muy buena impresión. Por si les interesa, he aquí la lista final de las diez mejores, entre las casi treinta obras que vi, todas altamente recomendadas.

1. Bolivia
2. Nueve Reinas
3. El Aura
4. Los Guantes Mágicos
5. Pizza, Birra, Faso
6. El Bonaerense
7. Familia Rodante
8. Mundo Grúa
9. El Amor (Primera Parte)
10. El Asadito

La gran mayoría ya las he comentado en esta página. Si buscan algo distinto, una buena muestra de cine latino, con estas no se equivocan.

Otra Vez... Cine Argentino

Para los que lo estaban extrañando... otra pequeña muestra de Nuevo Cine Argentino. Ya a este paso me voy a vivir a Buenos Aires mañana.

Pizza, Birra, Faso (1998) Dir.: Bruno Stagnaro y Adrián Caetano

Un grupo de marginales recorre las calles de Buenos Aires en este crudo drama criminal. Córdoba, Pablo, Frula, Megabom y Sandra son delincuentes de poca monta que dependen del robo para subsistir día a día. Como muchos otros, para este grupo sólo existe el hoy, no tienen grandes planes más que sobrevivir a base de "pizza, cerveza y cigarros", como reza el título. Sólo esperan aquel milagro que les depare un mejor futuro, sin encontrarlo. Realistico filme con un desenlace trágico pero esperado: cuando uno vive al margen de la sociedad, no queda otra salida más que arriesgarse y el precio que se paga es alto. Buen debut en conjunto de Caetano, quien luego se consagraría como una de las voces principales del Nuevo Cine Argentino.

El Asadito (2000) Dir.: Gustavo Postiglione

Película simple, corta, filmada en blanco y negro, cámara en mano y sin mayores pretensiones que contar una buena historia: un grupo de amigos se reúne para un "asado" y a medida que avanza la jornada, saldrán a la luz algunos secretos guardados. Entretenida, casi como una obra teatral. Un filme que logra hacer mucho sólo a base de diálogos, que pueden sonar banales pero que representan bien la interacción entre un grupo de personas como tú y yo. Para algo tan simple, salió bastante bien, lo que da para pensar como es que el cine argentino es capaz de algo tan bueno. Al terminar la película, Mario lo dijo mejor que nadie: "¿Por que el cine peruano no puede hacer algo así?" Si es tan simple...

Como un Avión Estrellado (2005) Dir.: Ezequiel Acuña

Una historia de amor adolescente: Nico, un chico distraído y algo lento que trabaja en una veterinaria y aún no se recupera de la muerte de sus padres un año antes, conoce a Luchi, una chica alegre y despreocupada. De ahí se sucede una historia de amor que al final, será marcada por la desilusión. No sé que pensar de esta película: Acuña tiene oficio pero lo cierto es que no tiene mucho que contar, es a ratos pretenciosa sin tener que serlo, aunque tiene sus buenos momentos. Un caso en el que el resultado no es la suma de las partes. Prefiero verla como una comedia, porque Nico es un muermo (basta con ver sus gestos) y Luchi, aunque un amor, es bastante extraña - usar a tu conejo mascota como si fuese un muñeco de ventrílocuo es razón suficiente para que se rían de tí. Viendola así, salva.

Ya llevo 20 películas en poco más de una semana y me sorprende el oficio que hay dentro del cine argentino. Tienen industria en ese país, una pena que en el Perú aún no puedan entregar obras de esta calidad. Pero bueno, es lo que hay.

Cantando en Nueva York

Desde su estreno en 1996, Rent ha sido una de las obras más celebradas (y longevas) en Broadway. Escrita por Jonathan Larson, quien falleció pocos días antes del estreno, ha ganado numerosos premios, como el Tony o el Pulitzer y fue responsable de atraer a mucho público joven al teatro. Hasta hoy, existe un dedicado grupo de fanáticos de la obra.

Con estos antecedentes, una adaptación al cine parecía tener el respaldo asegurado, pero su estreno en el 2005 fue todo lo contrario: pasó sin pena ni gloria por la taquilla (tuvo la mala suerte de competir con Harry Potter y sus amiguitos magos) y los criticos la despedazaron sin miramientos.

Nunca he visto la obra original, hace siglos que no voy al teatro (lo que más me acuerdo de haber visto es una de esas comedias vulgares con Ricky Tosso) y no me gustan mucho los musicales - aun no me cabe en la cabeza el que se pongan a cantar y bailar sin razón aparente. Aún así, Rent fue una grata sorpresa, un drama que trata temas que al principio uno no asocia con musicales alegres.

Es la historia de un grupo de bohemios neoyorquinos luchando para salir adelante: Mark, un aspirante a documentalista; Roger, un músico frustrado y VIH positivo; Mimi, una bailarina exótica adicta a las drogas; Joanne y Maureen, una pareja de lesbianas con problemas en su relación; Tom, un profesor gay también con VIH y enamorado de Angel, un travesti enfermo de sida; por último, está Benny, antes amigo del grupo que ahora es dueño del edificio donde viven y amenaza con echarlos a la calle si no pagan el alquiler. Todos personas que intentan superar la desesperanza que los rodea y sólo encuentran consuelo con ellos mismos, viviendo cada día como si fuese el último.

La adicción a las drogas, la pobreza, la homosexualidad y el sida son sólo algunos de los temas que toca esta obra, que en su época fue transgresora en el circuito teatral: una época en la que la sexualidad era aún tema tabú y el sida no era de conocimiento general. Hoy en día puede no tener el mismo impacto, pero son temas que se mantienen relevantes.

Rent es en realidad un drama serio, pero contado a través de la música. Y no es del tipo alegre y jovial, donde todos los problemas se solucionan con una canción. Son personajes con problemas, sufriendo y buscando algo que los llene y que justifique pasar el mal rato. Los números musicales, desprovistos de cualquier adorno o lujo, no son a gran escala: son más bien intímos, filmados en locaciones veridícas en Nueva York y que avanzan bien la historia. Quedan varias canciones para el recuerdo, como "Seasons of Love", cantada al inicio por todo el reparto en un escenario vacío, en un homenaje a la obra original; y "Will I", emotivo número cantado en un grupo de apoyo para enfermos de sida. Su presentación simple y honesta me arrancó lágrimas - y no me averguenza decirlo.

Se le puede acusar de manipuladora, de buscar la lágrima fácil; pero lo cierto es que Rent es un drama antes que un musical, que más bien da un mensaje esperanzador para sus personajes a través de sus canciones. Una prueba de que un musical no tiene que ser frívolo e infantil y que puede tocar temas importantes con seriedad. Yo, que no suelo disfrutar de los musicales, me llevé una muy grata impresión. La banda sonora está de antología; uno de esas joyas que hay que tener.

Ahora si alguien quiere ser dadivoso y me paga un viaje a Nueva York, no me quejaría. Ver la obra en un teatro debe ser una experiencia única.

Fabián Bielinsky (1959-2006)

Con gran tristeza recibí la noticia del fallecimiento del director argentino Fabián Bielinsky, víctima de un paro cardíaco en Sao Paulo.

Bielinsky fue director de la genial Nueve Reinas, un entretenido y enredado film sobre una pareja de estafadores y una película que considero un clásico en el cine latino moderno. Con su segunda película, El Aura, que tuve la oportunidad de ver en Sundance, Bielinsky cambió completamente de registro para entregar un intrigante y bien realizado film noir sobre un tímido taxidermista que sin querer acaba metido en un crimen en la Patagonia.

Ambos proyectos dejaron expectativas por lo que Bielinsky haría después; ya se le notaba como un realizador camaleónico, perfectamente capaz de abarcar cualquier género y darle un toque distintivo. Yo por lo menos me volví fanático luego de ver El Aura y me prometí estar a la espera de cualquier proyecto futuro.

Tuve la oportunidad de conocer a Bielinsky en Sundance; aunque sólo conversamos por unos minutos, fue sumamente amable, sencillo y a pesar de la cantidad de halagos que le di por la película, bastante humilde. Fue uno de los mejores recuerdos que guardo del festival y por ello, la noticia me da mucha pena.

El cine argentino y porque no, el cine latinoamericano, ha perdido a uno de sus realizadores más prometedores; Fabián Bielinsky tenía aún mucho que dar en el ámbito cinematográfico. Pero al menos, deja de legado dos excelentes películas altamente recomendadas, testimonio de la habilidad de este genial director.